Lenguaje Cinematográfico

Lenguaje Cinematográfico

El lenguaje cinematográfico ha evolucionado enormemente desde los primeros días del cine; pero muchas de las técnicas cinematográficas más relevantes de la actualidad se originaron en películas clásicas…

Muchas técnicas visuales comunes, como el jump cut o el whip pan; se utilizaron por primera vez en la realización de películas experimentales antes de finalmente encontrar un lugar en el cine convencional. Otras innovaciones, Dolly Zoom, por ejemplo, se desarrollaron en funciones de gama alta que tenían presupuestos lo suficientemente grandes como para lograr precisión técnica. Algunas técnicas evolucionaron orgánicamente con el tiempo, mientras que otras fueron iniciadas por autores visionarios para películas específicas; como la ahora clásica toma de carro andante de Spike Lee.

Pero no es solo el lenguaje visual lo que ha evolucionado con el tiempo, las audiencias también lo han hecho.

El cinéfilo promedio de hoy domina el lenguaje cinematográfico con mucha fluidez. Entienden intuitivamente la diferencia emocional entre una toma estática y una toma de seguimiento… Entre un primer plano de gran angular y un primer plano de teleobjetivo.

Incluso si no están pensando conscientemente en ello han visto suficientes películas para entender cómo leer esas señales visuales; y qué se supone que significan esas elecciones de dirección.

Esto es increíblemente poderoso para nosotros como cineastas, ya que nos da una taquigrafía con la audiencia. Podemos comunicar nuestras ideas con más eficacia que nunca, siempre y cuando profundicemos en nuestra caja de herramientas y utilicemos las herramientas adecuadas.

Entonces, con eso en mente, hoy quiero explorar mis herramientas y técnicas visuales favoritas.

Cada uno de los siguientes ha sido parte de la lengua vernácula cinematográfica durante años y continúa resonando con audiencias de prácticamente todos los géneros.

TRACK-IN/TILT UP

Podría decirse que es la mejor manera de transmitir la nueva sensación de poder de un personaje… La técnica combina de forma efectiva otros dos estilos de toma; (el carro hacia adelante y la inclinación hacia arriba) fusionándolos para transmitir una poderosa declaración.

El simple hecho de moverse hacia un personaje le dice mucho a la audiencia, especialmente de quién se trata ahora la escena …

Por ejemplo, imagina una escena centrada en un grupo de 6 personas cenando juntas. Al empujar hacia uno de los personajes mientras se pronuncia una línea importante de diálogo; se magnifica la importancia de ese personaje (o el significado de la línea para ellos).

Del mismo modo, una inclinación hacia arriba en ese escenario también nos diría mucho sobre el personaje.

Si a 5 de las 6 personas en la mesa se les dispara de frente; pero a uno de ellos se le dispara desde justo debajo, con la cámara ligeramente inclinada hacia arriba; los hará sentir más poderosos que los demás.

Sin embargo, la combinación de estas dos técnicas; al empujar al personaje y al mismo tiempo inclinarlo hacia arriba; no solo nos da una idea de la importancia de ese personaje, sino también de su poder… Y combinado con un bloqueo efectivo, puede crear un momento realmente audaz.

Por ejemplo, en la escena descrita anteriormente; imagine que la cámara se desplaza hacia un personaje específico en una línea central y, cuando la línea termina, el personaje se pone de pie.

Como ahora están de pie, la inclinación hacia su cara será mucho más dramática (un ángulo más extremo) y dará una gran sensación de cambio en la escena, lo que significa que el cambio de poder será más dramático.

Muchos directores, en particular Steven Spielberg, han utilizado esta técnica durante años, pero todavía parece tan fresca como siempre. Es un movimiento muy simple, pero usado en los momentos correctos puede tener mucho impacto.

MINOR OFF-SPEED

Los cineastas de hoy tienen una tendencia a descarrilarse cuando se trata de cámara lenta; ya que muchos parecen tener el mantra de que cuanto más lento, mejor.

Si bien hay ciertas circunstancias en las que disparar a 120 fps (o incluso 2000 fps en una cámara de alta velocidad real) puede producir resultados increíbles, a menudo menos, es más.

A algunos directores les gusta resaltar las tomas clave con apenas un exceso de arranque y disparando a una velocidad de fotogramas marginalmente más alta.

36 fps es una opción común, ya que cuando se reproduce a 24 fp;, tiene la sensación de cámara lenta suficiente para que puedas sentirlo, pero no lo suficiente como para que sea obvio para el espectador promedio.

Disparar a 48 fps, por ejemplo, crearía un efecto de cámara lenta más notable, ya que el metraje se reproduciría a la mitad de la velocidad.

Ciertamente, hay películas o escenas que requieren una cámara lenta extrema, pero en muchos casos, la cámara lenta exagerada puede sacar al espectador de una escena, especialmente si solo se usa para una sola toma.

Pasar de un movimiento estándar a un movimiento lento notable y luego al revés, sin usar rampas de velocidad u otras tomas de transición puede ser bastante molesto.

36 fps, u otras frecuencias de cuadro ligeramente aumentadas (como 30 fps), cortan mucho mejor con material estándar de 24 fps y mantienen al espectador en el momento mientras crean una atmósfera de ensueño.

La misma lógica se aplica también al arranque bajo. Para una escena de ritmo rápido, muchos directores/directores de fotografía optarán por filmar a 22 fps o incluso a 20 fps en lugar de 24 fps. Reproducido a velocidad normal, puede producir un efecto bastante sorprendente, lo suficientemente sutil como para que ni siquiera lo notes.

PERSONAJES SALIENDO DEL ENCUADRE

Nuestro instinto como cineastas es casi siempre mostrar cualquier acción en la pantalla. Como ejemplo: si estamos viendo a un personaje paseando por una habitación, puede parecer intuitivo seguir a ese personaje (ya sea de mano o con un trípode) mientras se mueve hacia adelante y hacia atrás. El 99% de las veces, eso es lo que la mayoría de los directores elegirían hacer.

Pero también existe la opción de no seguir al personaje en absoluto. En la misma escena que acabamos de describir, imagina ahora que la cámara está bloqueada en un trípode, apuntando directamente al centro de la habitación. Tal vez el extremo izquierdo y el extremo derecho de la habitación no se vean en el marco, pero el centro sí.

Si este mismo personaje se pasea de un lado a otro, solo lo veremos en pequeñas ráfagas. Puede haber un momento en el que el personaje se apoye en el pozo del extremo izquierdo y lo hayamos perdido totalmente visualmente… Todavía podremos escucharlo y sentir su presencia en la escena, pero la habitación parecerá vacía.

Desde un punto de vista estilístico, esta elección es muy clínica u omnisciente por defecto. A diferencia de un travelling que puede seguir a un personaje detrás de su cabeza (y crear un POV muy empático, poniendo a la audiencia en el lugar del personaje), esta técnica hace lo contrario. Posiciona al público como una mosca en la pared, permitiéndole observar objetivamente la escena desde la distancia, en un sentido metafórico.

Innumerables directores, desde Gus Van Sant hasta Sofia Coppola y Woody Allen, han utilizado esta técnica en sus películas y lo han hecho de manera muy efectiva. Personalmente, creo que funciona mejor cuando se usa a lo largo de una película, a diferencia de una sola toma o escena.

También es un buen complemento para las películas que solo usan sonido natural (sin partitura original ni música que no sea la que se reproduce en la escena), ya que tanto el uso de imágenes simples como el sonido orgánico crean un punto de vista altamente objetivo.

LA INCLINACIÓN HOLANDESA

Por supuesto, este es uno de los trucos más antiguos del libro, pero sigue siendo tan efectivo como siempre…

Estamos entrenados para filmar todo con una línea de horizonte recta, ya que así es como ve el ojo humano. No caminamos mirando el mundo que nos rodea con la cabeza inclinada hacia un lado, entonces, ¿por qué querríamos ver una película con una perspectiva sesgada?

En su mayor parte, no lo hacemos. Puede ser desorientador o incluso nauseabundo ver imágenes filmadas con un horizonte torcido. Esto es especialmente cierto en las tomas en movimiento, ya que una panorámica de la cámara exagerará un ángulo sesgado/inclinado incluso más de lo que ya es.

Pero a veces hacer que la audiencia se sienta incómoda o fuera de lugar es el punto central. Las películas de género, específicamente las de terror, han utilizado la inclinación holandesa durante décadas para infundir una sensación de desorden en el espectador, a menudo cuando la tensión en la historia está llegando a un punto de ebullición.

La técnica se originó en la película de terror de 1920 El gabinete del Dr. Caligari y se ha utilizado en innumerables películas de género desde entonces.

Sin embargo, no es solo una herramienta para películas de terror… Se puede usar de manera efectiva en cualquier género, incluido el drama, donde adquirirá un significado ligeramente diferente para el espectador.

Siempre creará una sensación de inquietud, pero como puede imaginar, tendrá un efecto mucho más sutil cuando se use en el contexto de un drama familiar, por ejemplo. Una combinación del ángulo en sí y el tono general de la película dictarán en última instancia la intensidad de su efecto en el espectador.

Si bien la inclinación holandesa (o ángulo holandés) puede ser una herramienta extremadamente poderosa, generalmente solo se emplea en unas pocas tomas seleccionadas en una película determinada.

Usarlo con demasiada frecuencia puede disminuir su efecto en la audiencia y, en última instancia, quitarle el poder de resaltar momentos o escenas específicas para el espectador.

PROFUNDIDAD DE CAMPO

Aunque la profundidad de campo reducida se ha convertido en gran medida en el estilo de filmación predeterminado para los cineastas de hoy (especialmente aquellos que surgieron a través de la revolución DSLR), la DOF profunda puede ser una opción mucho más efectiva cuando se usa en el contexto correcto.

DOF ultra-superficial solía ser una técnica estilística que se usaba principalmente para el efecto dramático, por ejemplo, para mostrar un personaje entrando y saliendo de la conciencia. Pero últimamente, gracias (¡o no gracias!) a las DSLR y las cámaras de cine con sensores grandes, se ha vuelto tan exagerado que ya no tiene el impacto emocional que alguna vez tuvo.

La profundidad de campo profunda, por otro lado, podría ser más efectiva que nunca, ya que es muy rara en el cine moderno.

Con una mayor parte del encuadre enfocada, la DOF profunda llama la atención sobre el entorno, lo que permite que el entorno se convierta en un personaje en sí mismo. También crea una sensación de realismo en la escena, dando al espectador una mayor sensación de que está allí, y permitiéndole captar algunas de las opciones más sutiles en la puesta en escena.

EN RESUMEN

Las técnicas que he enumerado anteriormente representan solo algunas de las herramientas a las que todos tenemos acceso como cineastas. No todas las películas necesitan usar todas estas técnicas (o cualquiera de ellas), pero es importante comprender el significado de ellas y lo que transmiten a la audiencia para saber cuándo usarlas.

Se me ocurrió esta lista después de ver innumerables películas clásicas durante las últimas dos semanas. No hay nada más inspirador que volver a ver películas que realmente abrieron nuevos caminos y ayudaron a dar forma al lenguaje visual del cine tal como lo conocemos hoy.

Hay innumerables otras técnicas/referencias visuales que podría haber agregado a esta lista, pero no puedo incluir mucho en un artículo.

Para aquellos de ustedes que quieran continuar construyendo su conjunto de herramientas visuales, comiencen por ver el trabajo de los maestros.

En particular, cineastas como Stanley Kubrick, Orson Wells, Jean Luc Godard, Steven Spielberg, Federico Fellini, y cualquier otro director y director de fotografía que abrió nuevos caminos.

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