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Análisis de un Guion

En el análisis de un guion son muchos los directores de fotografía que testificarán que intentan no visualizar el guion en la primera lectura. En cambio, destilarán el guion hasta la esencia o el corazón de la historia.

Todo se trata de la historia

La cinematografía es narración visual: se trata de transmitir emoción y significado en las imágenes. Con ese fin, se trata de lo que ayuda a contar la historia en un momento dado y expresar un cierto sentimiento a la audiencia.

Cuando los cineastas leen un guion por primera vez, querrán identificar a los personajes principales, sus objetivos y si los logran o no. Muchos directores de fotografía testificarán que intentan no visualizar el guion en la primera lectura. En cambio, destilarán el guion hasta la esencia o el corazón de la historia. 

Un director de fotografía puede tomar notas sobre el género (ya que eso establecerá un tono particular para el enfoque visual), el período de tiempo y cualquier regla visual importante establecida por el guion (es decir, está en un planeta alienígena donde la luz siempre es roja, o en un mundo postapocalíptico donde siempre hay una espesa nube de atmósfera venenosa y nunca luz solar directa). 

Finalmente, un cineasta querrá notar el punto de vista de una historia. A veces es omnisciente: una tercera persona, punto de vista que todo lo ve y todo lo sabe, pero a menudo una historia se cuenta principalmente a través de las experiencias de un personaje con el que la audiencia probablemente empatizará. Comprender el punto de vista informará muchas de las elecciones que puede hacer un director de fotografía. 

Un pase más detallado

Una segunda lectura de un guion es típicamente donde los cineastas toman notas y enfoques más detallados para cada escena. Por ejemplo, en una escena con un personaje después del funeral de un ser querido, un director de fotografía podría notar «tonos malhumorados y fríos, se siente deprimente» y decidir jugar con la tristeza.

En una escena en la que un hombre se encuentra con el amor de su vida, uno podría notar «destellos brillantes, casi cegadores que le dificultan verla», y decidir hacer que el interés amoroso esté a contraluz para obligar al hombre a entrecerrar los ojos. y lucha por verla con claridad: está literalmente cegado por su belleza.

En una escena donde el héroe es acechado por el antagonista, uno podría notar “sombras oscuras, luz intensa, composiciones amplias con mucho espacio negativo”, para enfatizar que el personaje está solo y asustado.

Cuando llegue al final de la segunda lectura, es probable que desarrolle ideas sólidas que puedan informar la relación de aspecto, el enfoque de iluminación general, la paleta de colores, las lentes especializadas o el soporte de la cámara. Tal vez tengas la fuerte sensación de que la segunda mitad de la película debería ser portátil para reflejar el frenético colapso emocional que se avecina para el personaje principal. 

Aquí no hay pensamientos correctos o incorrectos y, a veces, las notas pueden incluso ser contradictorias, pero es importante ponerlas por escrito. Estos pensamientos se pueden refinar en la tercera y cuarta lectura y pueden ser beneficiosos antes o después de la conversación inicial con el director. 

Lookbook

Una herramienta crítica para cualquier cineasta es un lookbook, y muchos directores de fotografía harán uno antes de reunirse con un director. Un lookbook contendrá una colección de imágenes que ayudarán a transmitir ideas sobre composición, color, calidad de la luz, estado de ánimo y cualquier combinación de los mismos. El proceso ayuda a solidificar sus pensamientos y comunicarlos visualmente.

Desglose escena por escena

Cuando se trata de cómo abordo personalmente cada escena de mi trabajo, mi experiencia como actor y director son mis principales influencias. Muchos actores dividen una escena en «tiempos y compases», como un músico. 

Generalmente, cada personaje en la escena tiene un objetivo, y tienen técnicas que utilizan para tratar de lograr lo que quieren. Un personaje puede cambiar de táctica varias veces en una escena dada, y cada uno de estos intentos es un golpe individual. 

Un director de fotografía también buscará estos ritmos y compases porque informan cómo se siente el personaje y cómo abordar la escena. Por ejemplo, haré marcas en el margen del guion donde siento que ocurren los cambios de ritmo y dibujaré una línea horizontal a lo largo de la escena. Estas notas pueden informar un cambio en el funcionamiento/movimiento de la cámara o la selección de lentes, o motivar una señal de iluminación,

El siguiente paso es «alinear» el guion, que literalmente dibuja líneas a través de la acción y el diálogo que representan una toma individual. Esto es algo que la mayoría de los directores harán, pero siempre es una buena idea tener tu propio concepto de cómo abordar la escena. 

Ejemplo:

Si observo una escena y sé que voy a necesitar un maestro ancho para toda la escena, dibujaré una línea vertical larga a través de toda la acción y el diálogo de esa escena y la etiquetaré como «A – Ancho Maestro.» Sé que necesito un plano medio del actor principal para la primera parte de la escena, así que dibujaré una segunda línea vertical a lo largo de aproximadamente la mitad de la escena y la etiquetaré como «B – Med on 1». 

Si hay un cambio de ritmo a mitad de la escena, y sé que quiero estar más cerca del actor principal en una lente ancha para tener más intimidad con su emoción creciente, haré otra cosa: Comenzando aproximadamente a la mitad de la escena en el lugar donde indiqué el cambio de ritmo, dibujaré una nueva línea vertical a través de la acción y el diálogo que represente esa cobertura y la etiquetaré como «C – Cerrar lente ancha en 1». 

Esto es notar cómo visualizo la escena en mi cabeza y qué tomas son importantes para contar la historia individual. A partir de aquí, es fácil hacer una lista de tomas simplemente escribiendo todas las tomas individuales y luego analizándolas con el director. 

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Herramientas adicionales de comunicación visual

Hay dos tipos principales de bocetos en miniatura que se intercambian con frecuencia. 

El primero es un guion gráfico aproximado, que comunica el encuadre final. 

El segundo es un boceto aéreo, que a veces se denomina plan de director u ojo de pájaro. Este es un bosquejo del escenario o ubicación que señala las posiciones de los actores, las posiciones de la cámara y cualquier otra cosa que sea importante agregar (carriles rodantes, iluminación, etc.). 

Estos bocetos son muy útiles para su equipo clave (operador, agarre clave, gaffer), así como para los AD, porque muestran lo que se requiere para cada toma. 

A medida que avanza en este proceso, se harán evidentes más y más detalles, como identificar las tomas que requieren herramientas especiales (Steadicam, estabilizador de mano, plataforma rodante, grúa, dron, etc.) y comenzará a visualizar sus requisitos diarios en detalle más significativo. 

También puede comenzar a formular un plan general que dicte que el aspecto de la película puede cambiar a medida que evoluciona la historia. Tomar estas notas en el guion lo ayudará a mantener esta idea a medida que avanza en la producción.

Todas estas notas necesitan ser discutidas con el director. Si no está en la misma página, puede discutir y defender una idea en particular, pero recuerde, es su trabajo dar vida a la visión del director. Si realmente está en desacuerdo creativamente, entonces este podría no ser el proyecto o la asociación adecuada para usted: sucede. 

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