Tu Primer Corto; el cortometraje es una forma de arte por derecho propio. Muchas de sus propiedades narrativas difieren de las del largometraje. Suele ser inferior a 10 min. largo. Cuanto más corto, mejor.
No debe confundirse con el de 25-40 min. películas de graduación hechas en escuelas de cine y que en realidad son largometrajes en miniatura.
En Escandinavia, algunos llaman a esta forma más larga novellefilm. Los consejos que se brindan aquí son específicos para el cortometraje y se basan en 30 años de enseñanza de cursos prácticos de producción a nivel universitario.
Sin Arco de Personajes
En un cortometraje, no hay tiempo para llevar a un personaje principal de manera convincente a través de una transformación fundamental: un arco de personajes.
Al final de un cortometraje, el personaje principal es la misma persona que era al principio, solo que su situación ha cambiado. En cambio, lo que tienes son momentos de personajes, momentos en los que los personajes toman decisiones que cambian su situación.
Si intenta llevar a un personaje principal a través de una transformación fundamental, estará trabajando contra la forma, no con ella.
No necesariamente necesita conflicto
Los largometrajes y el novellefilm necesitan conflicto en sus historias. Pero los cortometrajes no están necesariamente impulsados por conflictos.
Necesitan interacción entre los personajes para capturar y mantener el interés del espectador. Pero esa interacción no tiene por qué ser conflictiva.
Los principiantes a menudo tienen muy poca interacción en sus películas, lo que resulta en una fatal falta de vitalidad en la narración.
Tiempo de pantalla y el tiempo de historia: iguales
Si el tiempo de pantalla de su película (tiempo de ejecución) es, por ejemplo, 6 min. luego deje que los eventos que representa, su tiempo de historia, duren los mismos 6 min. Considere hacer de su película una escena continua.
Si, por el contrario, tu acción dura horas o días con fundidos a intervalos para indicar cada paso del tiempo, es realmente un largometraje en miniatura lo que estás haciendo, no un cortometraje. Y estás trabajando contra la forma.
Utilice el menor diálogo posible
Muchos grandes cortometrajes cuentan sus historias sin palabras. Si es un principiante, hay tres buenas razones para usar poco o ningún diálogo:
1) el diálogo que suena real es difícil de escribir.
2) las líneas habladas son difíciles de transmitir de manera convincente por parte de los actores aficionados que es probable que utilice.
3) la grabación de sonido adecuada de las líneas habladas puede ser complicada. Y solo un cineasta verdaderamente experimentado sabe cuándo y cómo usar la voz en off, así que no vaya allí si es un principiante.
Sobre la dirección de actores
El principal desafío es lograr que los actores actúen menos, para evitar la teatralidad, especialmente si tienen experiencia en el teatro amateur. Si su actuación es exagerada, será involuntariamente cómico y arruinará tu película.
Pero incluso después de una toma verdaderamente horrible, asegúrese de elogiar el trabajo de sus actores de manera extravagante. Diga, por ejemplo, “Eso fue fantástico. Me encantó. Pero también intentemos hacerlo de otra manera, solo para ver…”
Créditos
El título es todo lo que necesitas al comienzo de un cortometraje. Todo lo demás puede esperar a los créditos finales.
Cuando los actores y el equipo se mencionan en los créditos iniciales, suele ser una señal de que los cineastas no saben lo suficiente sobre las diferencias entre un cortometraje y un largometraje.
Personaje principal
Durante la redacción del guion y el casting, asegúrese de diseñar un personaje principal que atraiga al espectador, que gana y merece un estatus elevado dentro de la película. Y no tengas miedo de darle algo de poder a ese personaje.
Un error común de los principiantes es diseñar un personaje central que sea demasiado débil o demasiado pasivo para que el espectador se preocupe por él o ella. Su personaje principal debe estar a cargo de su propia historia, moldeando activamente esa historia.
Apertura
No desperdicies tus tomas iniciales en algo meramente bonito o atmosférico. Un buen uso de una toma de apertura es señalar al espectador de quién es la historia que estás contando. Y como regla, es bueno que el espectador vea los ojos de tus personajes. No hagas que el espectador espere más de lo necesario para un primer plano frontal de tu personaje principal.
Lleva al espectador a la experiencia de tus personajes
Los principiantes suelen dedicar demasiado tiempo a cosas externas como transportar personajes de un lugar a otro. El espectador está más interesado en lo que sienten tus personajes. Y ten cuidado de no mostrarlo teatralmente.
A menudo es mejor dejar que la expresión facial de un personaje sea relativamente neutral y que el espectador descubra lo que el personaje debe estar sintiendo en virtud del contexto. El cineasta David Mamet llama a eso usar «tomas sin inflexiones».
Cierre
Es importante que los espectadores experimenten la película completa cuando termina. Ayúdalos a soltar la ficción a medida que se acerca el final, a sentir que no pasará nada más.
Y si justo antes de que termine la película, planteas un gesto o evento simbólico para que los espectadores piensen e interpreten a medida que avanzan los créditos, es muy probable que experimenten tu película como rica y completa, incluso si has cortado hasta el final.